色彩和谐：原则
布里奇特·赖利（Bridget Riley）{1}区分图片颜色（制作照片所需的颜色）和感知颜色（日常的颜色经验：实际上是这样）。艺术家必须与两者一起工作，以绘画的方式重塑他们的感受。
艺术家还需要一种方法来创造自己的绘画现实。颜色理论的基础在19世纪成为重要的支持，但是其概念并没有得到一致的应用，而且并不总是正确的。（还需要强调的是，没有色彩的不可挑战的原则，也没有牢固的图片概念基础—也许同样如此，因为每种艺术敏感性都可以做出独特的表达。）
色彩史
尽管如此，某些趋势或一般原则在欧洲绘画中显而易见：{1}
提香（Titian）是第一位仅用色彩创造这种空间结构的艺术家。通过在整个绘画中以各种色调和色调变化来调制和拾取相同的颜色，他的图形统一性是通过颜色关系实现的-始终牢记并列创建的颜色也必须创建统一性。
Veronese和随后的Watteau采取了Titian的一些做法，即使用装饰，织物，建筑和物体作为媒介，在照片周围进行色彩处理。鲁本斯将自己的肤色成分带到绘画中的其他物体上。
卡拉瓦乔（Caravaggio）推出了可行的配方，将颜色简化为明暗对比。色调与色彩脱节，易于进行雕刻和教学，这一观念一直流行到19世纪的欧洲艺术中。
Velasquez似乎在使用明暗对比，但实际上使用灰色作为颜色，在温暖和凉爽之间徘徊以创造空间。
威猛（Vermeer）将原色（黄色和蓝色）集中在一起引起兴趣，然后将它们散布到绘画的其他部分。普桑做类似的事情，找到一些主导的颜色和弦进行编排。
德拉克洛瓦（Delacroix）通常在几年之前就在绘画之前就制定了配色方案。通常，当颜色减少时，他使用最大的色调对比度，而当颜色强烈时，则使用最小的对比度。
莫奈和印象派{2}使用了他们所谓的感知性“信封”-通常是通过成对的互补物来表示光和空气，互补物通过相互作用来诱导颜色，而诱导的颜色与原色之间是次要的相互作用。每幅画中可能有三对或更多对，这些对用来表示画家在大自然面前实际体验到的感觉。紫罗兰色的阴影很可笑，实际上（与理论相反），通常使用简单的黑色。
Seurat和Pointillists将颜色分为五类：局部，直接反射光，部分反射/吸收的光，局部颜色和环境互补色；然而，在实践中，Seurat仅采用了两个原则：他在暗色和暗色相遇时增加了色调的对比度。明亮的物体，并使用互补色并排放置在点中。
塞尚用单一错位的平面创建图片，编排颜色并简化形状。
立体主义者使用了简单的形状，但又通过颜色再次打开了深度
马蒂斯认为，如果可以用颜色来代表感觉的确切特征，那么该过程就可以颠倒过来，图案颜色可以创造出自己的感觉。
颜色分析
色彩理论的基础仅会影响当代画家。他们将需要进行自己的分析-确实，他们必须这样做。画家们继承了传统，但这是他们与通常做法的微小差异以及制作它们的原因，这很有启发性。以下是色彩和谐的一些分析：单击链接以更详细地查看艺术家的作品。
蒂埃波罗
Tiepolo倾向于使用互补和分裂类似物，但通常会添加其他颜色以产生变化。紫色很少使用。颜色倾向于鲜明或酸性。高光（通常为白色）占面积的10-15％，用于构图和对比度。白人很少纯净，但通常是乳脂状，绿色等。高光区域总是锯齿状并带有阴影，并大胆地绘画以赋予能量和运动感。深色调占面积的10-15％，但在合成中没有任何作用：用于建模和某种程度上的对比。构成要素的关键是大专院校（约占面积的40％），它们将较纯净的色彩联系在一起。在《摩西的发现》（对面）中，我们看到了从灰绿色长袍到背景的灰绿色植被到黄绿色的渐变。穿上阴影，穿上阴影的绿色黄色，穿上女王的鲜黄色礼服（中心人物）。连衣裙的粉红色衬里通过肉色与小丑的猩红色外衣相连：
布彻
Boucher是一位装饰画家：精致而女性。通常使用三色配色方案，但是两种颜色（通常为红色和绿色）非常明显，以至于该方案似乎是一种互补色。颜色为酸性和冷色，因此使肤色更加温暖。很少出现紫色，很少出现黄绿色。肤色为珍珠橙色，从不变粉红色：解剖结构很敏感，但骨骼几乎没有迹象，只有坚硬，柔软发光的皮肤。窗帘似乎总是丝质的：薄的，银色的和昂贵的。通常，绘画的重点是浅色，高光（天空和肉体）占面积的30％。天空是平静的，帷幔闪闪发光，肉发光。深色调很少会很深，并且往往很笨拙，经常出现在绘画的角落，占不到总面积的10％。色彩谐调比Tiepolo的更为有限，通常只是互补性的并置，从而产生了一种可以抵消场景余波的烦躁感。Boucher从未以Tiepolo的方式使用这些大学，
约翰·辛格·萨金特
约翰·辛格·萨金特（John Singer Sargent，1865-1925年）以油画和水彩画风格，风景和肖像画（2500幅作品），但以肖像画（700幅）最为著名。他在美国人和暴发户中非常受欢迎，他通过存在和不满投资于他们。他从小就开始绘画，在Carolus-Duran的指导下学习，并于1879年画出了可以接受的肖像。他的“ Cancale的牡蛎捕手”（对面，1879年）看上去很印象派，但实际上是基于工作室传统-巧妙的笔法，深色和釉料。萨金特在1884年臭名昭著的Mau Gautreau肖像之后在1880年代后期就出名了。配色方案很简单：通常是互补色或分开的互补色，带有大量的明暗对比。萨金特是一个很棒的社交名流（尽管害羞），是一位出色的音乐家，聪明，并能用四种语言朗读。一位采用Velasquez和Hals传统的画家，使用手势来描绘风格和性格，
进一步阅读
文字参考这些出版物，非常值得搜索：
1.布里奇特·赖利（Bridget Riley）在“色彩：艺术与科学”中的“画家的色彩”。T. Lamb＆J. Bourriau（编辑）1995年杯
2. D. Bomford在“色彩：艺术与科学”中的“艺术色彩的历史”。T. Lamb＆J. Bourriau（编辑）1995年杯
也有用的是：
3.具有色彩表现新原理的绘画色彩史。Faber Birren。范诺斯特兰德·莱因霍尔德（Van Nostrand Reinhold）。1980年。
4.《新孟塞尔学生色彩套装》，第三版。Jim Long Jim。Fairchild出版物。2011。
5. Paul Centore的《画家的色彩理论》。 99main。从理论上讲，包括孟塞尔系统。2012年11月。
